Lo que se pierde se tiene para siempre
- Ulrica Revista
- hace 3 días
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Vuelve, para una tercera temporada, la obra teatral que nace en los cuentos de la escritora Alejandra Kamiya. Conversamos con ella después del reestreno.
Por Juan Francisco Baroffio
Un escenario en el que cada objeto cumple una función narrativa. Una narración constante, directa, sutilmente universal a pesar de su cotidianidad. Silencios. Todo esto describe la puesta en escena de Lo que se pierde se tiene para siempre, que vuelve al teatro Astros (Av. Corrientes 476 - CABA) para una tercera temporada después de haber ganado varios premios.
La obra toma cuentos de Alejandra Kamiya y los adapta en una sola historia que parece pequeña y cotidiana, pero que encierra una indagación profunda en el alma colectiva de una familia. Una familia tan única como todas, que crea, en el caos diario, sus propias reglas que le permiten enfrentar una tristeza poderosa, desgarradora, y sin embargo encontrar espacios de amor y de lealtad para poder seguir viviendo.
Javier Berdichesky y Andrés Gallina adaptan textos de los dos primeros libros de Kamiya (Los árboles caídos también son el bosque, 2015, y El sol mueve la sombra de las cosas quietas, 2019), y logran una nueva narración fluida e independiente, aunque el lector fiel de la escritora argentina puede encontrar frases y guiños que le remiten a los textos originales.
La obra está dirigida por Anahí Berneri, que logra darle una densidad emocional al texto que fluye con mucha naturalidad en las palabras, los gestos y en los silencios de los actores. Sofía Gala Castiglione (que ganó un premio María Guerrero a Mejor actriz protagónica por esta obra) lleva adelante una narración constante en el papel principal de hija que vive y rememora su curiosa vida y tragedia familiar. Siempre en escena, las actuaciones logran crear, aún con mínimos gestos, personalidades entrañables y universalmente cotidianas. Una madre caótica interpretada por Marita Ballesteros (cuya interpretación en esta obra le valió un premio María Guerrero y un Trinidad Guevara), un padre endurecido llevado adelante por Enrique Amido y una cuidadora que se gana un lugar en esa familia en la piel de Camila Marino Alfonsín.
La tragedia los une, pero en ese espacio de dolor crean una identidad que les da una nueva vida y el paso del tiempo repara lo que, de alguna forma, no saben que puede volver a repararse. Cada uno de ellos, sin darse cuenta, van formado el material precioso que une las piezas rotas, como en el tradicional kitsukuroi.
A continuación te dejamos la conversación que tuvimos con Alejandra Kamiya, una colaboradora frecuente de nuestra revista.
ULRICA: Tus cuentos suelen trabajar con lo mínimo, con gestos pequeños y silencios. ¿Qué sentiste al ver ese mundo tan íntimo trasladado al lenguaje del teatro, que necesariamente es más visible y corporal?
ALEJANDRA KAMIYA: Hubo ya varias transposiciones de mis cuentos al teatro, a la danza o a formas audiovisuales. Disfruto mucho de eso: es como si le agregaran nuevas dimensiones a lo escrito. Es como ver crecer algo.
U: El título Lo que se pierde se tiene para siempre sugiere una paradoja muy propia de tu literatura. ¿Qué tipo de pérdidas te interesan narrativamente: las irreparables, las invisibles o aquellas que de algún modo nos constituyen?
AK: Las que nos constituyen, claramente. La frase, curiosamente no es mía sino de Javier Berdicheski que es con quien hicimos la primera adaptación.
U: Muchos lectores destacan la atmósfera de delicadeza y misterio en tus relatos. ¿Creés que el teatro puede intensificar esa dimensión o inevitablemente la transforma en algo distinto?
AK: La transposición siempre implica una transformación, es una forma extrema de la traducción. Y ya sabemos que una traducción puede potenciar y también puede matar la fuerza del texto original.
U: Tus historias suelen habitar espacios cotidianos —casas, recuerdos familiares, objetos simples— que de pronto se vuelven extraños. ¿Cómo dialoga esa poética con la materialidad del escenario?
AK: Las tres casas-cajas que contienen a los personajes me parece uno de los hallazgos de la puesta en escena. Y más aún cuando el personaje de Sofía trepa por la suya y habla desde el techo y dice lo que ve desde ahí, fuera de la caja.
U: En varios de tus cuentos el tiempo parece suspendido, como si los personajes vivieran en un umbral. ¿El teatro te permitió descubrir algo nuevo sobre esos personajes o sobre el tiempo de tus propias historias?
AK: La puesta teatral, al agregar esa otra dimensión de la hablaba, es como una lectura de los cuentos, y en cada lectura aparece algo nuevo.
U: Para quienes ya te leyeron, ver esta obra puede ser otra manera de entrar en tu universo. ¿Qué te gustaría que el espectador se lleve al salir del teatro: una emoción, una pregunta o una forma distinta de mirar lo que aparentemente se pierde?
AK: Me gustaría que se lleven preguntas o nuevos modos de mirar lo propio. Para eso sirve el arte.
U: Nuestra pregunta ya clásica: ¿Qué libros tenés en la mesita de luz?
AK: Tengo, como siempre, libros más que nada relacionados con lo que estoy haciendo: los de Sagasti porque estoy presentando el último de él, que se llama La realidad absoluta, uno de Ursula K. Le Guin sobre escritura y otro de sus cartas con Diana Bellesi, otros sobre escritura de Marguerite Duras y de V.S. Naipaul. Y fijos en mi mesa de luz, como clavados, siempre: Confucio y Mencio, los cuatro libros.
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